Selbst wenn Sie ein überzeugter Zyniker sind, geht nichts über die stimmungsaufhellende Kraft eines Filmmusicals. Es hat etwas an der reinen Flucht aus dem echten Leben, das einer perfekt choreografierten Song- und Tanzsequenz Platz macht, die immer wieder die Stimmung hebt – und vielleicht ist das der Grund für aktuelle Musikfilme, von kritischen Hits wie La La Land bis hin zu alles erobernden Kassenriesen wie The Greatest Showman, Mamma Mia! und seine Fortsetzung haben sich als so beliebt erwiesen.
Der Appetit der Kinobesucher auf Musikfilme ist so groß, dass Hollywood nicht aufhören kann, grünes Licht für mit Stars besetzte Großleinwandversionen von Broadway- und West End-Bühnenhits zu geben, aus einer zweiteiligen Adaption von Wicked mit Cynthia Erivo als Elphaba und Ariana Grande als Glinda the Good Witch, bis hin zu einer neuen Version von Matilda The Musical mit Emma Thompson als Miss Trunchbull in der Hauptrolle, die gegen Ende dieses Jahres in die Kinos kommen soll.
Für Fans von Disney-Musicalfilmen gibt es auch viele gute Neuigkeiten, da die Reise des Animationsgiganten durch seinen Backkatalog zügig weitergeht, mit Live-Action-Remakes, die für Klassiker wie Schneewittchen mit Rachel Zegler und Gal Gadot, The Little Mermaid, mit Sänger geplant sind Halle Bailey in der Hauptrolle und zusätzliche Songs, die von Alan Menken und Hamiltons Lin-Manuel Miranda gemeinsam geschrieben wurden, und Hercules unter der Regie von Guy Ritchie.
Wenn Sie gerade West Side Story gesehen haben und Lust auf Ihre nächste Musical-Pause haben, können Sie Ihr Gedächtnis mit einem Leitfaden zu einigen der größten Hits des Genres auffrischen, von Klassikern des Goldenen Zeitalters und kitschigen Musikfilmen aus den 80ern bis hin zu Publikumsmagneten aus Jukebox-Musicals und animierten Favoriten ?
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Singen im Regen (1952)
Im Regen singenMGM
Regengüsse schienen nie anziehender zu sein als in Singin’ in the Rain, dem Höhepunkt von Hollywoods goldenem Zeitalter der Musicals, das vor Freude und Energie in einer Weise überströmt, die seitdem nicht mehr erreicht wurde. Obwohl es in den frühen 50er Jahren gedreht wurde, erinnert es an eine frühere Zeit in der Geschichte Hollywoods, als „sprechende Bilder“ bei Kinobesuchern an Bedeutung gewannen, sehr zum Leidwesen von Stummfilmstars, wie Gene Kellys Figur Don Lockwood (auch bekannt als The einer, der in einer der berühmtesten Tanzsequenzen des Films um den Laternenpfahl herumschwingt).
Debbie Reynolds, die damals erst 19 Jahre alt war, kann sich mit ihrer brillanten Darbietung als Kathy gegen ihre erfahreneren Co-Stars behaupten, das Chormädchen, dessen Singstimme bedeutet, dass sie besser für die „Talkie“-Ära geeignet ist als Dons Co-Star Lina Lamont ( Jean Hagen). Die Gesangs- und Tanznummern mögen auf der Leinwand mühelos aussehen, aber das war bei weitem nicht der Fall: Nach den Dreharbeiten zu Good Morning von 8 bis 23 Uhr hatte Reynolds blutende Füße (Singin' in the Rain und Geburt waren die beiden schwierigsten Dinge, die ich je hatte in meinem Leben zu tun, sagte sie später).
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Mary Poppins (1964)
Wenn man sich diesen Disney-Klassiker fast sechs Jahrzehnte später anschaut, ist es schwer zu glauben, dass Mary Poppins das Filmdebüt von Julie Andrews war – von dem Moment an, als sie auf der Cherry Tree Lane landete, nachdem sie mit einem Regenschirm durch die Luft geschwebt war und die ganze Zeit über eine Ladestockhaltung beibehielt ist als zauberhaftes Kindermädchen souverän selbstbewusst. Und dann ist da die Singstimme, so süß und klar auf „A Spoonful of Sugar“, dann eindringlich, als sie die Geschichte der alten Frau vor der St. Paul’s Cathedral auf „Feed The Birds“ erzählt. Kein Wunder, dass die Rolle ihr 1965 einen Oscar einbrachte. Fügen Sie einen munteren Ohrwurm von einem Lied über Frauenrechte hinzu (Sister Suffragette, das sicherlich vielen jungen Zuschauern im Laufe der Jahre ihre erste Begegnung mit der Frauenwahlrechtsbewegung beschert hat), eine fantastische Animation Sequenz, tanzende Schornsteinfeger und Sie haben eines der bezauberndsten Musicals aller Zeiten (obwohl je weniger über Dick Van Dykes verstümmelte Interpretation eines Cockney-Akzents gesagt wird, desto besser).
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La La Land (2017)
Von dem Moment an, in dem ein Stau in Los Angeles der fröhlichen Gesangs- und Tanzsequenz zum Eröffnungsstück Another Day of Sun auf einer festgefahrenen Autobahn weicht, ist es unmöglich, nicht von Regisseur Damien Chazelles Liebeserklärung an das goldene Zeitalter der Hollywood-Musicals mitgerissen zu werden . Die häufigen Co-Stars Emma Stone und Ryan Gosling beweisen, dass sie einige der besten Chemie im Geschäft haben, als die aufstrebende Schauspielerin Mia und der Jazzmusiker Sebastian, beide auf der Suche nach Erfolg und kreativer Erfüllung, idealerweise auf einmal.
Es ist ein wahres Fest für Musikfreaks, vollgestopft mit Verweisen auf einige der ikonischsten Momente des Genres (die glorreiche „Was wäre, wenn?“-Sequenz gegen Ende des Films ist beispielsweise eine Anspielung auf das Traumballett von An American In Paris, während die Tanzeinlagen voller Anspielungen auf Fred Astaire und Ginger Rogers) und Songs wie City of Stars und Audition (The Fools Who Dream), geschrieben vom The Greatest Showman-Duo Pasek und Paul, bleiben lange nach dem Abspann im Gedächtnis. Kein Wunder, dass es bei seiner Veröffentlichung ein solcher Oscar-Hit war, auch wenn es für die Auszeichnung berüchtigter geworden ist nicht gewinnen (Bestes Bild, nach einer verpfuschten Ankündigung, die La La Land nannte, bevor der richtige Gewinner, Moonlight, bekannt gegeben wurde).
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Ach Mama! (2008)
Universal Studios
Eine griechische Insel, drei potenzielle Väter und eine Tonne vollgoldener Abba-Hits, dazu eine umwerfende Starbesetzung (von Meryl Streep über Colin Firth bis Pierce Brosnan in dem sicherlich nach wie vor größten Post-Bond-Casting-Kurvenball), von denen viele ließen sich von einem Mangel an musikalischem Talent und / oder tänzerischer Koordination nicht von einer guten Zeit abhalten: Trotz der anfänglichen Kritik (eine Zeitung verglich Brosnans Gesang mit den Geräuschen eines Wasserbüffels) Mamma Mia! war immer ein Kassenschlager zum Wohlfühlen. Tatsächlich erwies er sich als so erfolgreich, dass er den Rekord für den Film mit den höchsten Einnahmen unter der Regie einer Frau (Phyllida Lloyd) brach und fast ein Jahrzehnt lang daran festhielt, bis Patty Jenkins’ Wonder Woman auf die Bildfläche stürmte.
Als Donna, die kämpfende Hotelierin, deren Tochter Sophie heimlich drei ihrer ehemaligen Liebesinteressen (gespielt von Brosnan, Firth und Stellan Skarsgård) zu ihrer Hochzeit eingeladen hat, stiehlt die stets vielseitige Streep die Szene. Wenn Sie es schaffen, durch ihre vorhochzeitliche Darbietung von Slipping Through My Fingers zu kommen, ohne eine Träne zu vergießen, haben Sie wahrscheinlich ein Herz aus Stein.
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Rote Mühle! (2001)
Wie vieles in der Arbeit des australischen Regisseurs ist Baz Luhrmanns unverblümt OTT spektakuläres Spektakel wahrscheinlich ein erworbener Geschmack, aber es wäre schwer zu leugnen, dass Moulin Rouge! (selten hat ein Filmtitel dieses Ausrufezeichen so verdient) ist einer der umwerfend originellsten Musikfilme der letzten Jahrzehnte.
Die tragische Liebesgeschichte des schönen Showgirls Satine (Nicole Kidman) und des mittellosen, idealistischen Dichters Christian (Ewan McGregor) wird von einer glorreichen Auswahl einiger der größten Tracks des 20. Jahrhunderts untermalt (manchmal, wie im Fall von Elephant Love Medley, vermischt). innerhalb derselben bekannten Musiknummer), die alles von den Beatles und Elton John bis zu Madonna und David Bowie (plus einem Kylie Minogue-Auftritt, der seinen Status als Lagerklassiker zementiert) einschmeichelt. Seine einzige Eigenkomposition Come What May, die ursprünglich für den Soundtrack von Luhrmanns Romeo + Julia geschrieben wurde, schafft es jedoch immer noch, sich unter all diesen klassischen Liebesliedern zu behaupten.
Band der Brüder Prime
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Traummädchen (2006)
Nach einer Handvoll gescheiterter Versuche, Dreamgirls in den 80er Jahren auf die Leinwand zu bringen (eine mögliche Filmversion war als Starfahrzeug für Whitney Houston gedacht, hatte aber einige Unebenheiten, als Houston enthüllte, dass sie Lieder singen wollte, die für beide Hauptfiguren bestimmt waren), Diese von Supremes inspirierte Geschichte wurde zwei Jahrzehnte später schließlich verfilmt. Das Warten hat sich gelohnt. Frisch von ihrem Auftritt bei American Idol liefert Jennifer Hudson eine wirklich umwerfende Darbietung als Effie White ab, die Leadsängerin der Girlgroup The Dreamettes, die schließlich zugunsten der marktfähigeren Backgroundsängerin Deena (hier gespielt) aus dem Rampenlicht gedrängt wird von Beyonce). Ihre Darbietung der herausragenden Nummer And I Am Telling You I’m Not Going, die sich von einer fast geflüsterten Stimme bis zu ihrem trotzigen Refrain aufbaut, gehört sicherlich zu den besten musikalischen Momenten aller Zeiten, während Bey ihr eigenes Superstar-Showcase mit freundlicher Genehmigung bekommt von Listen, einer der vier zusätzlichen Tracks, die mit Henry Krieger, dem ursprünglichen Dreamgirls-Komponisten, für den Film geschrieben wurden.
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Mamma Mia! Hier gehen wir wieder (2018)
Es wäre unhöflich gewesen, kein weiteres Mamma Mia! Film, als ein so guter Titel in den Startlöchern wartete (da ist auch die Kleinigkeit der Einspielergebnisse des Originalfilms von 611 Millionen Dollar, die wahrscheinlich keine geringe Rolle dabei gespielt haben, einen zweiten Film zu machen). Es ist gleichzeitig eine Fortsetzung und ein Prequel (die Produzenten sagen, dass es sich an The Godfather Part II orientiert hat) und tanzt zwischen der Vergangenheit – der Erforschung von Donna (gespielt in einem Rückblick von Lily James)s Heldentaten auf ihrer postuniversitären Reise durch Europa – und der anwesend, als ihre Tochter Sophie versucht, das Hotel der Familie neu zu starten.
Der emotionale Einsatz ist dieses Mal höher (keine Spoiler, aber wenn Sie in den letzten 10 Minuten keine Träne vergießen, dann besteht Ihr Herz wahrscheinlich aus Kohle), mit dem zusätzlichen Bonus, dass Cher per Hubschrauber erscheint, um eine Disco-Version zu spielen von Fernando. Es fühlt sich wie ein Fiebertraum an, im besten Sinne. Und wenn Sie dachten, sie hätten die besten Songs des ersten Films aufgebraucht? Wir bringen Ihnen unterschätzte Juwelen aus Abbas Backkatalog wie Andante Andante, Angel Eyes und One of Us.
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Chicago (2002)
All-singende, all-tanzende Film-Musicals waren in Hollywood um die Jahrtausendwende sehr in Ungnade gefallen – bis diese Adaption eines Broadway-Klassikers von Regisseur Rob Marshall sechs Oscar-Gewinne, darunter Bester Film, errang Oscar-Verleihung 2003. Renée Zellweger ist anziehend als Roxie Hart, die unbefangene Genosse, die in der Murderesses' Row im Cook County Jail landet, nachdem sie ihren Geliebten erschossen hat, während die spätere Gewinnerin der besten Nebendarstellerin, Catherine Zeta Jones, ebenso überzeugend ist wie ihre Mitgefangene Velma Kelly. ein Vaudeville-Star im Zentrum einer Cause Célèbre.
Das Duo hatte auch All-Star-Unterstützung in Form von Richard Gere (als schlüpfriger, protziger Anwalt), Queen Latifah (als korrupte Matrone des Gefängnisses) und John C. Reilly (als Roxies leichtgläubiger, gutherziger Ehemann). ). Mit ihrer von Bob Fosse inspirierten Choreographie ist die Cell Block Tango-Sequenz ein echter Hingucker, wenn Roxies Zellengenossinnen über die Verbrechen aufklären, für die sie ins Gefängnis geschickt wurden.
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Der König der Löwen (1994)
Walt-Disney-Studios
Ja, das Live-Action-Remake von 2019 hatte Beyoncé und Donald Glover auf der Besetzungsliste und einige beeindruckend fotorealistische CGI, aber das animierte Original hat immer noch Vorrang vor Disneys Backkatalog. Das ist nicht zuletzt dem atmosphärischen Soundtrack von Hans Zimmer zu verdanken (heben Sie Ihre Hand, wenn Sie immer noch von den Eröffnungsnoten von To Die For, seiner begleitenden Komposition, getriggert werden das tränenerregender Moment in der Mitte des Films) und die Originalsongs von Elton John und Tim Rice, von der Eröffnungsfanfare von Circle of Life über die komische Prahlerei von Hakuna Matata bis hin zu den mitreißenden Emotionen von Can You Feel The Love Tonight (alle drei diese Tracks wurden bei den Oscars für den besten Originalsong nominiert). Kein Wunder, dass es seitdem zu einer Hauptstütze am Broadway und im West End geworden ist. In Bezug auf die Geschichte ist es im Grunde Hamlet mit Löwen, mit all dem Familienverrat und dem Hinterhalt, der damit verbunden ist (das meiste davon kommt mit freundlicher Genehmigung von Jeremy Irons 'unschlagbar böser Narbe).
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Hamilton
Es ist selten, dass eine aufgezeichnete Version einer Bühnenaufführung, bei der es A. gelingt, die Magie einer Show hautnah nachzubilden, und B. so berauschend und fesselnd ist wie ein dramatisiertes Filmmusical, aber der Film von Lin-Manuel Miranda aus dem Jahr 2020 zieht Hamilton an Beides gelingt mühelos, wobei die kreative Kameraführung für ein echtes Kinofeeling sorgt. Durch eine schillernde Verschmelzung von Musikgenres, die sich auf alles von klassischen Showtunes bis HipHop bezieht, erzählt Miranda die Geschichte von Alexander Hamilton, einem der Gründerväter Amerikas, der zuvor in den Geschichtsbüchern übersehen wurde. Diese Aufführung wurde 2016 gedreht, mit Miranda in der Titelrolle und Leslie Odom Jr. als Hamiltons politischer Rivale Aaron Burr, zusammen mit Phillipa Soo als seiner leidenden Ehefrau Eliza und Renee Elise Goldsberry als ihrer Schwester Angelica. Wenn Sie die Show noch nicht im West End oder am Broadway gesehen haben, ist dies ein ziemlich guter Vorgeschmack darauf, in dem Raum zu sein, in dem sie stattfindet.
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Der Klang der Musik (1965)
In einem unübertroffenen musikalischen Doppelschlag spielte Andrews weniger als ein Jahr nach der Veröffentlichung von „Mary Poppins“ als weiteres singendes Kindermädchen in der Verfilmung von „The Sound of Music“, die auf dem Musical von Rodgers und Hammerstein basiert. Es erzählt die Geschichte der Novizin Maria (Andrews), die beschließt, das Klosterleben gegen einen Job als Lehrerin für die von Trapp-Kinder einzutauschen, um herauszufinden, ob sie wirklich den Rest ihrer Tage im Nonnenkloster verbringen möchte. 60 Jahre später ist es kaum ein Spoiler zu verraten, dass sie es nicht tut, und ihre warme, freigeistige Herangehensweise macht sie schließlich bei allen sieben von Trapps und ihrem Vater (Christopher Plummer) beliebt.
Die Eröffnungssequenz, in der Maria auf einem Hügel herumwirbelt und vor Ort in Österreich gedreht wurde, gehört zu den ikonischsten im Kino – obwohl Andrews inzwischen enthüllt hat, dass während der Dreharbeiten die Kraft der Rotorblätter des Hubschraubers verwendet wurde, um die Sequenz einzufangen war so stark, dass sie jedes Mal umgeworfen wurde, weshalb die Kamera auf eine Nahaufnahme schneidet, als sie anfängt zu singen.
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Kleiner Horrorladen (1986)
Bevor das Songwriter-Duo Alan Menken und Howard Ashman Soundtracks für ikonische Disney-Filme wie „Die Schöne und das Biest“, „Aladdin“ und „Die kleine Meerjungfrau“ schrieb, schrieb das Paar ein Musical, das auf dem Kult-B-Movie „Little Shop of Horrors“ aus den 60er Jahren basiert und über eine gedeihende Pflanze handelt auf Menschenblut. Nach einem Off-Broadway-Auftritt in den frühen 80er-Jahren bekam der Film mit freundlicher Genehmigung von Regisseur Frank Oz die Kinoleinwand, komplett mit einer Besetzung, die im Grunde ein Who-is-Who der 80er-Komödie ist, mit Auftritten von Rick Moranis, Steve Martin, John Candy und anderen Bill Murray.
Moranis spielt den Floristen Seymour, der schließlich die blutrünstige Pflanze Audrey II kultiviert (benannt nach seiner Liebesbeziehung, gespielt von Ellen Greene mit schwindelerregendem Charme), deren Appetit auf Menschen bald außer Kontrolle gerät. Der Film sprudelt vor chaotischem Humor, der, wie Sie es wahrscheinlich von einer Geschichte über eine riesige, menschenfressende Pflanze erwarten würden, ziemlich düster wird (so düster, dass das ursprüngliche Ende des Films für das Publikum zu viel war und neu gedreht werden musste).
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wie viele staffeln hat dragonball
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